A propósito de la exposición “Héctor León en la Perrera”, que reúne obras realizadas entre 2011 y 2021,conversamos con el destacado artista.
Entrevista realizada por Paulo Asenjo
Desde la consumación total y cabal del modelo neoliberal en todas las esferas de la actividad humana, el arte también sufrió sus cambios de paradigmas. En los años 90’s aparece la figura del curador, como personaje racional y punta de lanza en la toma de decisiones, a la hora de armar una exposición o una colección oun catálogo.
¿El curador, como personaje, se interpone entre el artista y el público, desplazando la idea, la intención del creador como puente comunicante entre la obra y el público?
Creo que en ocasiones pasa, con resultados negativos probablemente, ya que la interposición del curador desplazando la intención del proceso creativo del artista es un bloqueo finalmente y es además todo lo contrario a lo que yo entiendo como labor curatorial. Cuando el curador figura más que los artistas en una sala, sea museo, galería o lo que fuere, me parece una experiencia negativa, me parece una cosificación del artista, como si éste y no su obra fuese lo propuesto y no por él sino por un externo al proceso creativo.
Absolutamente no, la decoración y el entretenimiento no son y nunca han sido el territorio real del Arte. La filosofía económica impera objetual y visualmente en otros lugares, la estética del mall, por decirlo así. Por supuesto que habrá galerías comerciales y ferias que siguen esta filosofía, pero eso no es un aporte al Arte, todo lo contrario. El aporte, creo yo, proviene al igual que en toda la Historia del Arte de la reflexión y del trabajo de algunos artistas que trasciende a lo fácil y rápido del mercado, a esa tentadora y podrida ilusión del éxito.
La cultura de masas, dirigida al consumidor, se encarga de poner la tendencia, los valores económicos, establece barreras a la libre interpretación de la expresión artística que es esencial y crucial para el alma humana, al libre albedrío, ¿Puede un artista sobreponerse a ese yugo? ¿Podría el arte proponer una salida a esa asfixia contemporánea?
Claro que sí, por supuesto que un artista puede oponerse y debe hacerlo, pero además se debe oponer a muchas otras cosas. Recordando palabras de Miller, el alma creativa no puede jurarle lealtad a nada ni nadie, ni al mercado, ni a tendencias artísticas imperantes, por más serias que éstas parezcan o por más institucionalizado que se encuentre.
Creo que es deber del Arte buscar una salida a esta asfixia. Sin pensar en la tontera de lo novedoso, hay que ir por cosas completamente nuevas, una renovación espiritual necesita de una reformulación profunda de las cosas. La obra, el artista y los espacios de exhibición deben ir en ese camino.
La producción del artista pasa a un plano comercial, a una clasificación institucional, al lobby, por ejemplo en Chile los fondos concursales son tendenciosos y marcan una trayectoria funcional al mercado y al diseño institucional oficialista. ¿Consideras que el arte pierde un poco su orientación en lo contemporáneo, es decir, es sólo un dato, un eslabón argumental para la documentación?
La sola formulación de tu pregunta muestra un vicio enorme de la actividad cultural nacional en relación a la producción creativa. No es regla general, pero se da mucho que el artista contemporáneo en Chile se parece más a un burócrata o a un lobbista, es un generador de proyectos y un simple conector de cadenas de producción. Las muestras generadas en los últimos años por espacios de línea contemporánea son ejemplo de esto, vemos exhibiciones que parecen más un escaparate de archivos en relación al Arte que exposiciones de Arte. Claro que hay una pérdida de orientación, a ratos, todo parece aburrido y viciado por lo que creo que se vienen grandes retos para el artista.
En esta lógica, ¿El arte perdió la pasión, lo sublime, la entrega oculta o misteriosa que tenía en pretérito?
Entiendo que los tiempos han cambiado, pero en este sentido creo que deberíamos mirar un poquito hacia atrás, hay grandes artistas nacionales que muestran producciones desbordantes de pasión en donde esa entrega misteriosa ha sido un aporte gigantesco a la cultura nacional. Pienso en artistas como Roberto Matta, José Balmes o Federico Assler. No sé si se puede establecer que el Arte ha perdido la pasión, pero sí sé dónde la hubo y creo que los artistas contemporáneos debemos aprender de ello.
¿Cuál es la belleza del óleo y qué sería lo bello?
La pintura al óleo en sí no creo que contenga belleza, es sólo un medio. Existe belleza por montón a través de esta técnica desde que la crearon los hermanitos Van Eyck hasta la actualidad. En este sentido, creo que lo bello del óleo, si existe, reside en su aspecto técnico, pero no me refiero a sus posibilidades de reproducción de imágenes, ésa es batalla antigua, sino a cualidades materiales únicas y autónomas y creo que queda mucho hilo en ese carrete. La pintura al óleo definitivamente es un medio válido para generar arte contemporáneo.
Eres unos de los pocos artistas conocidos de la pintura al óleo en Chile, ¿Por qué continuar en la actualidad con uno denlos pilares fundamentales de la academia como expresión de lo clásico?
Como venía diciendo, creo que en definitiva el óleo es un medio válido para generar arte contemporáneo. Es cierto, se trata de una técnica clásica con amplia presencia en la academia, pero eso no es un impedimento. Pensemos en grandes maestros de la pintura contemporánea que han producido avances e hitos en la Historia del Arte, Lucian Freud, Gehard Richter, el maravilloso Francis Bacon, por nombrar algunos. La pintura al óleo, requiere de un proceso que en sí mismo puede llegar a ser un acto reflexivo, hay algo en ella que me ayuda a llegar a la profundidad que pretendo, aunque no sé muy bien qué es.
¿Eso tiene que ver con lo que permanece, con su conservación y solo con la técnica?, es decir, ¿Un buen artista es un técnico o es un artesano de su virtuosismo?
Ése es un aspecto técnico, entre otros, que instaló al óleo como medio de expresión tan definitiva en la historia de la pintura, su estabilidad cromática y su persistencia en el tiempo. Yo me he quedado en el óleo por otras características de este medio, y por lo que aún no descubro de sus cualidades. La pintura me enseña cuando pinto, no tengo idea hasta dónde pueda llegar con ella.
¿Qué piensas de la pintura de Guillermo Lorca y su aprobación técnica que lo instala en la red comercial y en el publico como un gran exponente de la pintura Hiperrealista?
De su pintura no pienso nada. Hay muchos pintores nacionales que aún trabajan con óleo y de distintas formas, por ejemplo, pienso en la pintura de Juan Domingo Dávila, en la de Jorge Tacla, en la de mi maestro y amigo Francisco González Lineros que cambió el rumbo de mi propia obra, entre otros. Esos son autores contemporáneos que vale completamente revisar por la profundidad de su trabajo y de su humanidad más allá de sus destrezas técnicas, que por cierto, les sobra.
El secreto está en los detalles, en la técnica y su disciplina. Me refiero ¿Esa es la belleza implícita del óleo?
Como dijo un oso panda, el secreto es que no hay secreto. Lo que esconde el óleo son trucos técnicos, cocina, pero son tan amplias las posibilidades con este medio que no vale la pena pensar en ello. Hay que buscar nuevas cosas y, claro, entregarlas al mundo para que la pintura, en un sentido histórico, siga su camino. Finalmente, lo bello es la humanidad del artista que queda pegada a la obra.
En esta nueva muestra, la segunda individual que haces en la Perrera Arte, das un salto al volumen, a esculturas que tienen un aspecto orgánico con una pigmentación cuidadosa y sugerente del óleo ¿Es una experimentación que nace en cuarentena por la pandemia o una extensión de tus pinturas como una búsqueda anterior?
Ambas cosas. Es sin duda un proceso experimental que abordé encerrado en mi taller en cuarentena, con el tiempo y espacio que este periodo me significó, pero también es la evolución técnica de lo que venía apareciendo en mi trabajo pictórico de los últimos 10 años. Todos los elementos que conforman a mis esculturas están presentes en mi pintura de forma física, la madera y el algodón de su estructura son los mismos materiales que uso en la confección de los soportes de mi pintura, y luego está el color de su última capa de volumen con la cera pigmentada que, evidentemente, deviene del interés y búsqueda de toda mi carrera, el tema de la carnación como recurso para llevar el componente humano a la obra.
El Centro Experimental Perrera Arte tiene una arquitectura con carga visual; información histórica, texturas, sombras, recovecos poco iluminados, paredes con medidas variables o descascarándose, rejas y un recorrido poco usual para un museo y o galería ¿Cómo dialoga esta nueva muestra con esa estética impuesta?
Es muy interesante lo que ha pasado en este montaje, creo, y sin temor a exagerar, que la obra instalada e iluminada actualmente en toda la primera planta de La Perrera, la ha invadido por completo. Es impresionante ver cómo este lugar de arquitectura industrial con múltiples y fuertes cargas visuales propias ha sido transformado en otra cosa, ahora se parece más a un museo de Arte Antiguo que al incinerador de basura que aloja al Centro en la actualidad. Creo que La Perrera ha encontrado un interlocutor válido con esta muestra en su interior, están dialogando y lo que ha salido de esta conversación es tanto maravilloso como inesperado. Los invito a verla por las redes del Centro Experimental Perrera Arte y a que la visiten una vez que las medidas sanitarias lo permitan.
Exposición “Héctor León en la Perrera”
Trilogía individual que incluye pinturas y esculturas realizadas por el artista visual Héctor León entre 2011 y 2021
Visitas guiadas en fase dos atentos a nuestras redes sociales y www.perrerarte.cl
Avda. Balmaceda -entre las Calles Bulnes y Cueto- interior Parque Los Reyes S/N
